Comment le dialogue entre art, société et technologie intégré à la recherche-création peut-il produire de nouvelles façons d’appréhender la réalité?

En questionnant les enjeux inhérents aux thèmes qu’elle évoque, l’artiste-chercheuse Sylvie Lapierre, dans le cadre d’un cours de Carole Nadeau au 2e cycle de l’Université LAVAL, élabore des stratégies permettant de construire et d’explorer un espace immersif, dans une mise en dialogue entre sa pratique artistique, une réalité sociale et l’apprentissage de nouvelles technologies. Ce premier laboratoire suppose l’interaction de plusieurs couches d’écriture sans bord explorant la mise à l’œuvre d’un réseau de potentialités s’inscrivant tant sur des niveaux intelligibles que sensoriels. Témoignages et matériaux s’y entrecroisent, jouent des échelles et des enveloppements, creusant un espace sensible sur les notions de territoire, de migration et de dépossession où le concept de résonance, tel qu’élaboré par Rosa Harmut, est exploré.

Le jour où j’ai perdu mes murs

Cette version balado, imprévue dans le parcours doctoral initial, devenue deuxième laboratoire, a provoqué une mise à nu du projet immersif pour mieux en scruter les éléments essentiels d’une part et pour permettre une appropriation « technique » pour la chercheuse d’autre part.

En fait, cette version a ouvert la potentialité de l’évocation et permis l’exploration d’une mise en espace de simples échos sonores, débris flottants qui sondent ces notions de perte, de déplacements, de dépossession. Résonances, effritements, perte de repères, du balado émerge la sensation plutôt que la narration, en force le questionnement.

Cette expérience sonore fait partie du projet doctoral Regard sur le rapport dialogique entre art, corps, territoire et technologies immersives de Sylvie Lapierre. Elle est suivie d’un court échange entre Carole Nadeau et Sylvie Lapierre sur les processus, les enjeux ainsi que les réflexions que la recherche-création suscite.

Sylvie Lapierre et Carole Nadeau

Comment le dialogue entre art, société et technologie intégré à la recherche-création peut-il produire de nouvelles façons d’appréhender la réalité?

En questionnant les enjeux inhérents aux thèmes qu’elle évoque, l’artiste-chercheuse Sylvie Lapierre, dans le cadre d’un cours de Carole Nadeau au 2e cycle de l’Université LAVAL, élabore des stratégies permettant de construire et d’explorer un espace immersif, dans une mise en dialogue entre sa pratique artistique, une réalité sociale et l’apprentissage de nouvelles technologies. Ce premier laboratoire suppose l’interaction de plusieurs couches d’écriture sans bord explorant la mise à l’œuvre d’un réseau de potentialités s’inscrivant tant sur des niveaux intelligibles que sensoriels. Témoignages et matériaux s’y entrecroisent, jouent des échelles et des enveloppements, creusant un espace sensible sur les notions de territoire, de migration et de dépossession où le concept de résonance, tel qu’élaboré par Rosa Harmut, est exploré.

Le jour où j’ai perdu mes murs

Cette version balado, imprévue dans le parcours doctoral initial, devenue deuxième laboratoire, a provoqué une mise à nu du projet immersif pour mieux en scruter les éléments essentiels d’une part et pour permettre une appropriation « technique » pour la chercheuse d’autre part.

En fait, cette version a ouvert la potentialité de l’évocation et permis l’exploration d’une mise en espace de simples échos sonores, débris flottants qui sondent ces notions de perte, de déplacements, de dépossession. Résonances, effritements, perte de repères, du balado émerge la sensation plutôt que la narration, en force le questionnement.

Cette expérience sonore fait partie du projet doctoral Regard sur le rapport dialogique entre art, corps, territoire et technologies immersives de Sylvie Lapierre. Elle est suivie d’un court échange entre Carole Nadeau et Sylvie Lapierre sur les processus, les enjeux ainsi que les réflexions que la recherche-création suscite.

Sylvie Lapierre et Carole Nadeau

Re-figurer des gestes est issu d’une rencontre sensible et intellectuelle entre deux chercheuses qui se risquent à un geste sans bord. Une idée d’origine. Jouer ensemble à l’élaboration d’un lexique basé, d’abord, sur la description d’une œuvre rendue ainsi disponible par l’écoute et, ensuite, de son analyse à partir d’un concept; agencer ou non nos représentations de l’art, de la théorie et de notre démarche de recherche; voir si nos échanges suscitent un déplacement dans le va-et-vient de nos espaces réflexifs. Un point de départ. À quelles œuvres pensons-nous avec cette idée d’une expérience du sans bord ? Quels sont les concepts centraux dans chacune de nos recherches qui résonnent également ? Comment la construction même de ces concepts peut, d’une part, contribuer à renouveler l’analyse de pratiques et, d’autre part, créer des ambiguïtés de sens heuristiques ou non ? Un terrain de jeu. Six concepts non négociés entre nous : écoute déplacée, cocréation, présence, mieux-être / guérison, espace et intervention. Un processus. À intervalle régulier, nous explorons chacune un concept en lui associant une œuvre, une réflexion sur ses définitions et contours, de même que sur notre rapport intellectuel et méthodologique à celui-ci. Puis, l’autre s’empare du concept et ouvre une discussion. Des objectifs. Se présenter des œuvres et des concepts qui perturbent notre regard usuel sur le monde et sur la pratique artistique et son analyse; adopter un regard réflexif nourri par l’autre sur nos habitus théorique et méthodologique; prendre le risque d’entrer dans un dialogue dont on ne sait ce dont il va en résulter. Le résultat. Six balados et un document écrit qui reprend les textes lus, mais également quelques échanges en correspondance sur ceux-ci, de même que des images et des liens internet qui permettent aux spectateur.trice.s de sortir de notre récit, pour voir / entendre / lire l’œuvre en elle-même.

Re-figurer des gestes est issu d’une rencontre sensible et intellectuelle entre deux chercheuses qui se risquent à un geste sans bord. Une idée d’origine. Jouer ensemble à l’élaboration d’un lexique basé, d’abord, sur la description d’une œuvre rendue ainsi disponible par l’écoute et, ensuite, de son analyse à partir d’un concept; agencer ou non nos représentations de l’art, de la théorie et de notre démarche de recherche; voir si nos échanges suscitent un déplacement dans le va-et-vient de nos espaces réflexifs. Un point de départ. À quelles œuvres pensons-nous avec cette idée d’une expérience du sans bord ? Quels sont les concepts centraux dans chacune de nos recherches qui résonnent également ? Comment la construction même de ces concepts peut, d’une part, contribuer à renouveler l’analyse de pratiques et, d’autre part, créer des ambiguïtés de sens heuristiques ou non ? Un terrain de jeu. Six concepts non négociés entre nous : écoute déplacée, cocréation, présence, mieux-être / guérison, espace et intervention. Un processus. À intervalle régulier, nous explorons chacune un concept en lui associant une œuvre, une réflexion sur ses définitions et contours, de même que sur notre rapport intellectuel et méthodologique à celui-ci. Puis, l’autre s’empare du concept et ouvre une discussion. Des objectifs. Se présenter des œuvres et des concepts qui perturbent notre regard usuel sur le monde et sur la pratique artistique et son analyse; adopter un regard réflexif nourri par l’autre sur nos habitus théorique et méthodologique; prendre le risque d’entrer dans un dialogue dont on ne sait ce dont il va en résulter. Le résultat. Six balados et un document écrit qui reprend les textes lus, mais également quelques échanges en correspondance sur ceux-ci, de même que des images et des liens internet qui permettent aux spectateur.trice.s de sortir de notre récit, pour voir / entendre / lire l’œuvre en elle-même.

Re-figurer des gestes est issu d’une rencontre sensible et intellectuelle entre deux chercheuses qui se risquent à un geste sans bord. Une idée d’origine. Jouer ensemble à l’élaboration d’un lexique basé, d’abord, sur la description d’une œuvre rendue ainsi disponible par l’écoute et, ensuite, de son analyse à partir d’un concept; agencer ou non nos représentations de l’art, de la théorie et de notre démarche de recherche; voir si nos échanges suscitent un déplacement dans le va-et-vient de nos espaces réflexifs. Un point de départ. À quelles œuvres pensons-nous avec cette idée d’une expérience du sans bord ? Quels sont les concepts centraux dans chacune de nos recherches qui résonnent également ? Comment la construction même de ces concepts peut, d’une part, contribuer à renouveler l’analyse de pratiques et, d’autre part, créer des ambiguïtés de sens heuristiques ou non ? Un terrain de jeu. Six concepts non négociés entre nous : écoute déplacée, cocréation, présence, mieux-être / guérison, espace et intervention. Un processus. À intervalle régulier, nous explorons chacune un concept en lui associant une œuvre, une réflexion sur ses définitions et contours, de même que sur notre rapport intellectuel et méthodologique à celui-ci. Puis, l’autre s’empare du concept et ouvre une discussion. Des objectifs. Se présenter des œuvres et des concepts qui perturbent notre regard usuel sur le monde et sur la pratique artistique et son analyse; adopter un regard réflexif nourri par l’autre sur nos habitus théorique et méthodologique; prendre le risque d’entrer dans un dialogue dont on ne sait ce dont il va en résulter. Le résultat. Six balados et un document écrit qui reprend les textes lus, mais également quelques échanges en correspondance sur ceux-ci, de même que des images et des liens internet qui permettent aux spectateur.trice.s de sortir de notre récit, pour voir / entendre / lire l’œuvre en elle-même.

Re-figurer des gestes est issu d’une rencontre sensible et intellectuelle entre deux chercheuses qui se risquent à un geste sans bord. Une idée d’origine. Jouer ensemble à l’élaboration d’un lexique basé, d’abord, sur la description d’une œuvre rendue ainsi disponible par l’écoute et, ensuite, de son analyse à partir d’un concept; agencer ou non nos représentations de l’art, de la théorie et de notre démarche de recherche; voir si nos échanges suscitent un déplacement dans le va-et-vient de nos espaces réflexifs. Un point de départ. À quelles œuvres pensons-nous avec cette idée d’une expérience du sans bord ? Quels sont les concepts centraux dans chacune de nos recherches qui résonnent également ? Comment la construction même de ces concepts peut, d’une part, contribuer à renouveler l’analyse de pratiques et, d’autre part, créer des ambiguïtés de sens heuristiques ou non ? Un terrain de jeu. Six concepts non négociés entre nous : écoute déplacée, cocréation, présence, mieux-être / guérison, espace et intervention. Un processus. À intervalle régulier, nous explorons chacune un concept en lui associant une œuvre, une réflexion sur ses définitions et contours, de même que sur notre rapport intellectuel et méthodologique à celui-ci. Puis, l’autre s’empare du concept et ouvre une discussion. Des objectifs. Se présenter des œuvres et des concepts qui perturbent notre regard usuel sur le monde et sur la pratique artistique et son analyse; adopter un regard réflexif nourri par l’autre sur nos habitus théorique et méthodologique; prendre le risque d’entrer dans un dialogue dont on ne sait ce dont il va en résulter. Le résultat. Six balados et un document écrit qui reprend les textes lus, mais également quelques échanges en correspondance sur ceux-ci, de même que des images et des liens internet qui permettent aux spectateur.trice.s de sortir de notre récit, pour voir / entendre / lire l’œuvre en elle-même.

Re-figurer des gestes est issu d’une rencontre sensible et intellectuelle entre deux chercheuses qui se risquent à un geste sans bord. Une idée d’origine. Jouer ensemble à l’élaboration d’un lexique basé, d’abord, sur la description d’une œuvre rendue ainsi disponible par l’écoute et, ensuite, de son analyse à partir d’un concept; agencer ou non nos représentations de l’art, de la théorie et de notre démarche de recherche; voir si nos échanges suscitent un déplacement dans le va-et-vient de nos espaces réflexifs. Un point de départ. À quelles œuvres pensons-nous avec cette idée d’une expérience du sans bord ? Quels sont les concepts centraux dans chacune de nos recherches qui résonnent également ? Comment la construction même de ces concepts peut, d’une part, contribuer à renouveler l’analyse de pratiques et, d’autre part, créer des ambiguïtés de sens heuristiques ou non ? Un terrain de jeu. Six concepts non négociés entre nous : écoute déplacée, cocréation, présence, mieux-être / guérison, espace et intervention. Un processus. À intervalle régulier, nous explorons chacune un concept en lui associant une œuvre, une réflexion sur ses définitions et contours, de même que sur notre rapport intellectuel et méthodologique à celui-ci. Puis, l’autre s’empare du concept et ouvre une discussion. Des objectifs. Se présenter des œuvres et des concepts qui perturbent notre regard usuel sur le monde et sur la pratique artistique et son analyse; adopter un regard réflexif nourri par l’autre sur nos habitus théorique et méthodologique; prendre le risque d’entrer dans un dialogue dont on ne sait ce dont il va en résulter. Le résultat. Six balados et un document écrit qui reprend les textes lus, mais également quelques échanges en correspondance sur ceux-ci, de même que des images et des liens internet qui permettent aux spectateur.trice.s de sortir de notre récit, pour voir / entendre / lire l’œuvre en elle-même.

Re-figurer des gestes est issu d’une rencontre sensible et intellectuelle entre deux chercheuses qui se risquent à un geste sans bord. Une idée d’origine. Jouer ensemble à l’élaboration d’un lexique basé, d’abord, sur la description d’une œuvre rendue ainsi disponible par l’écoute et, ensuite, de son analyse à partir d’un concept; agencer ou non nos représentations de l’art, de la théorie et de notre démarche de recherche; voir si nos échanges suscitent un déplacement dans le va-et-vient de nos espaces réflexifs. Un point de départ. À quelles œuvres pensons-nous avec cette idée d’une expérience du sans bord ? Quels sont les concepts centraux dans chacune de nos recherches qui résonnent également ? Comment la construction même de ces concepts peut, d’une part, contribuer à renouveler l’analyse de pratiques et, d’autre part, créer des ambiguïtés de sens heuristiques ou non ? Un terrain de jeu. Six concepts non négociés entre nous : écoute déplacée, cocréation, présence, mieux-être / guérison, espace et intervention. Un processus. À intervalle régulier, nous explorons chacune un concept en lui associant une œuvre, une réflexion sur ses définitions et contours, de même que sur notre rapport intellectuel et méthodologique à celui-ci. Puis, l’autre s’empare du concept et ouvre une discussion. Des objectifs. Se présenter des œuvres et des concepts qui perturbent notre regard usuel sur le monde et sur la pratique artistique et son analyse; adopter un regard réflexif nourri par l’autre sur nos habitus théorique et méthodologique; prendre le risque d’entrer dans un dialogue dont on ne sait ce dont il va en résulter. Le résultat. Six balados et un document écrit qui reprend les textes lus, mais également quelques échanges en correspondance sur ceux-ci, de même que des images et des liens internet qui permettent aux spectateur.trice.s de sortir de notre récit, pour voir / entendre / lire l’œuvre en elle-même.

L’UPPERCUT DU SOL n’est pas l’enregistrement d’un match de boxe, mais une création sonore qui s’appuie sur une exploration sonnante de la Soucoupe, audacieux équipement sportif construit après-guerre sur des marécages au bord de l’Atlantique à Saint-Nazaire.
C’est aussi une première étape formelle dans la recherche d’un vocabulaire commun avec une chorégraphe, un clarinettiste et un compositeur. Composée en mars 2021 par Christophe Havard. Avec Emmanuelle Huynh, Fabrice Arnaud-Crémon et la voix de Frédéric Bechet. Production Plateforme Múa et Athénor, centre national de création musicale.

En août 2019, l’équipe composée de Andrée-Anne Giguère, François Harvey, Jean-Paul Quéinnec et Pierre Tremblay-Thériault se rendait à Puerto Nariño, un village de pêcheurs TICOYA de l’Amazonas, en Colombie. Durant ce séjour, accompagnés par la communauté et au gré d’une errance volontaire de nuit comme de jour dans cet environnement, ils ont capté du son, des images et des photos et se sont infiltrés dans certaines activités du village. Avec certains membres de la communauté, ils ont aussi partagé un moment d’atelier qui s’est conclu par une performance sur la place publique.

Tycoya Feria repose sur le geste du phonographiste, qui consiste à s’immerger dans un environnement pour vivre des actions d’écoute menant à des enregistrements sonores, visuels, textuels, 3D et, bien sûr, corporels. Ce sont uniquement ces matériaux mémoriels qui inspirent la composition de notre écriture artistique. Celle-ci est généralement dispersive et sans bord pour laisser place à une plus grande instabilité des ressentis et des relations entre les spectateurs et l’œuvre. Ainsi, nous souhaitons que Tycoya Feria soit autant l’écho de notre aventure amazonienne que des moments où le spectateur pourra faire résonner une sensibilité écologique à la fabrication d’une dramaturgie intermédiale.

Feria signifie la fête, la foire, mais aussi les grands marchés où sont exposés des objets divers (de la nourriture aux objets électroniques, lumineux ou plus précieux), des marchés vastes, colorés et toujours très sonores. Pour Radio Geste(s) sans bord, nous vous proposons une série de quatre balados qui témoignent de notre dernière phonographie amazonienne : Tycoya Obscura, Tycoya Song, Tycoya Temps et Tycoya Silence.

Déjeuner sur le web est un balado audio et visuel de recettes-partitions. Lorella Abenavoli et Magali Babin se sont rencontrées hebdomadairement autour de savoureuses victuailles intercontinentales afin de créer une œuvre au plus près de la synesthésie. Selon un processus sensible et phénoménologique, les deux artistes ont pris comme prétexte les saveurs de plats uniques créés spécifiquement pour un brunch transatlantique. Dans cette œuvre, les impressions sonores et lumineuses des deux artistes rendent hommage au sens du goût. Le brunch, ce repas souvent dominical entre le petit déjeuner et le lunch qui s’étire dans le temps, est synonyme de lenteur et de convivialité. Amies depuis plusieurs années, Lorella et Magali ont eu envie de matérialiser, par la rencontre de leur pratique, leurs souvenirs de ces rencontres joyeuses autour de la table de chez l’une ou de chez l’autre alors que Lorella habitait encore au Québec. Déjeuner sur le web, c’est également une invitation à la découverte d’un processus de création qui s’amorce, c’est entrer dans le laboratoire culinaire, sonore et visuel que les deux artistes ont mis en place, qu’elles ont habité depuis l’automne 2020 et qu’elles désirent investir plus profondément à la suite de cette première réalisation. Cette proposition est d’abord et avant tout une expérimentation ouverte dont les assises reposent sur les retrouvailles de deux bonnes amies, puis sur une nouvelle rencontre entre les deux artistes, puisqu’il s’agit d’une toute première collaboration artistique. À l’écoute de ce balado, l’auditeur est invité à cuisiner ses talents pour l’écoute, la cuisine et l’imagination, en se tenant prêt à s’aventurer dans les saveurs matérialisées et à entrer dans un espace convivial, parce que la rencontre autour d’une bonne table et entre amis.es nous manque à tous terriblement.

LE COUVRE-FEU. UNE NAVIGATION DU SILENCE – sept soirées marchées et narrées; transposées et sculptées sur l’écran, envoyées via les serveurs dans un ailleurs, une navigation numérique et analogique, un échange pensé. LA COUVRE-FEUILLE. UN CRI DE LENTEUR – sept soirées collées et morcelées sur papier pour naviguer en silence. Une rencontre de pensées marchées et de fragmentations enchâssées enregistrées et montées; des gestes sans bord?

Comment le dialogue entre art, société et technologie intégré à la recherche-création peut-il produire de nouvelles façons d’appréhender la réalité?

En questionnant les enjeux inhérents aux thèmes qu’elle évoque, l’artiste-chercheuse Sylvie Lapierre, dans le cadre d’un cours de Carole Nadeau au 2e cycle de l’Université LAVAL, élabore des stratégies permettant de construire et d’explorer un espace immersif, dans une mise en dialogue entre sa pratique artistique, une réalité sociale et l’apprentissage de nouvelles technologies. Ce premier laboratoire suppose l’interaction de plusieurs couches d’écriture sans bord explorant la mise à l’œuvre d’un réseau de potentialités s’inscrivant tant sur des niveaux intelligibles que sensoriels. Témoignages et matériaux s’y entrecroisent, jouent des échelles et des enveloppements, creusant un espace sensible sur les notions de territoire, de migration et de dépossession où le concept de résonance, tel qu’élaboré par Rosa Harmut, est exploré.

Le jour où j’ai perdu mes murs

Cette version balado, imprévue dans le parcours doctoral initial, devenue deuxième laboratoire, a provoqué une mise à nu du projet immersif pour mieux en scruter les éléments essentiels d’une part et pour permettre une appropriation « technique » pour la chercheuse d’autre part.

En fait, cette version a ouvert la potentialité de l’évocation et permis l’exploration d’une mise en espace de simples échos sonores, débris flottants qui sondent ces notions de perte, de déplacements, de dépossession. Résonances, effritements, perte de repères, du balado émerge la sensation plutôt que la narration, en force le questionnement.

Cette expérience sonore fait partie du projet doctoral Regard sur le rapport dialogique entre art, corps, territoire et technologies immersives de Sylvie Lapierre. Elle est suivie d’un court échange entre Carole Nadeau et Sylvie Lapierre sur les processus, les enjeux ainsi que les réflexions que la recherche-création suscite.

Sylvie Lapierre et Carole Nadeau

Notre proposition se base sur une hybridation performative de différents langages (sonore, lu, chanté, activé… à travers une ambiguïté du bord, des sons et des images définies ou indéfinies) et s’articule autour du concept d’« autohistoria-teoría » développé par l’autrice et poétesse féministe queer chicana Gloria Anzaldúa.

L’intervention consiste en une lecture en duo et en trois langues (espagnol, anglais et français) de La Prieta, l’une des pièces centrales d’Anzaldúa, dont nous conserverons en partie la structure narrative (qui mêle des autohistorias ou des témoignages, des poèmes et de la théorie) avec l’intention de porter à l’oreille cet entremêlement en recomposant un paysage sonore dans lequel s’inséreront progressivement des irruptions provenant de nos propres « autohistorias-teorías » et d’autres éléments d’identification et de reconstruction personnels.

La Prieta nous encourage à « nous rendre absolument vulnérables ». de sorte que Camille proposera une traduction française – dirty translation – de La Prieta, fragmentée et parcellaire, volontairement imparfaite et Oscar composera la musique des poèmes qu’il chantera en un a cappella dysharmonique, chacun(e) dans l’intention de contaminer la lecture jusqu’à en arriver à un débordement, mais aussi à une rencontre et à une révélation de l’un(e) et l’autre à travers le son et la voix.

Réélaborer les « autohistorias-teorías » à travers notre goût pour cette force anarchiste-féministe si puissante du bord et de la poésie nous semble particulièrement pertinent pour le symposium, en lien avec la remise en question (dans une perspective décoloniale) des connaissances et des formats académiques.

Par ailleurs, l’idée de prendre en charge la voix d’Anzaldúa, de l’assumer à partir de notre propre position et expérience et de contribuer à lui donner une autre dimension en l’enracinant de nouveau dans un (des) corps nous tenait beaucoup à cœur. Il s’agit de créer une politique radicale en liant la théorisation de la (des) frontière(s), les marginalités et la possibilité de construire des ponts et de forger des alliances sociales.

Performance littéraire vidéographique et collaborative

Du mauvais usage du son est une création de type radiophonique qui a été réalisée à partir d’une série d’entretiens entamés à l’hiver 2021. Ceux-ci nous ont permis de découvrir progressivement le matériau conceptuel et artistique qui a émergé directement de cette expérimentation dialogique. Nos échanges enregistrés sur support audio nous ont servi de matériau pour notre création sonore constituée également de diverses pièces musicales et de performances sonores originales créées spécifiquement pour Geste(s) sans bord. Ainsi, la question du débordement s’incarne dans cette création de type radiophonique à travers une série d’actes dialogiques multimodaux où la réflexion, le poétique et la création sonore sont intimement arrimés de façon transdisciplinaire afin que les limites entre le discursif, le poétique et l’artistique soient indécidables. Cette création sonore tente d’éprouver une pensée en actes où un geste artistique s’entremêle à un art réflexif tout en brouillant les frontières auctoriales entre soi et l’autre.

L’écoute implique une mobilisation du corps et une inflexion de l’esprit. L’auditeur est plongé dans un espace qu’il contribue à façonner; il participe ainsi à un processus de transformation et d’échange. Composer des états, c’est mettre en mouvement nos écoutes, c’est interroger les relations entre l’auditeur et son milieu. Au fil des parcours se trace une cartographie parcellaire des écoutes du réel qui rend audible le brouillage des frontières entre le sujet et le monde, entre l’artiste et le théoricien.

Ce processus s’expérimente à travers quatre gestes :

Prendre (le son). Ce geste implique une mise en résonance qui déplace le sujet et le milieu.

Improviser (avec l’espace). Ce geste souligne la part d’imprévu et d’involontaire au cœur de la création sonore.

Transmettre (une écoute). Ce geste rend audible la structure d’adresse, le désir d’un échange qui accompagne notre perception du monde sonore.

Partager (une posture). Ce geste est un moyen d’éprouver la co-vibration entre les corps et les sons, de faire ressentir un état, une émotion.

Cette écoute des écoutes convoque un imaginaire qui se compose au fil des circulations : du concret à l’abstrait, de la proximité de la matière à l’éloignement des espaces, de nous vers les autres.